展览名称：版画100--2013年度收藏作品展

展览时间：2015/02/05~2015/03/08

展览地点：[广东]-深圳画院美术馆-(深圳画院美术馆)

主办单位：深圳画院（主办）、中国观澜版画原创产业基地（主办）

参展艺术家：班 苓、毕海强、蔡远河、曹琼德、陈 超、陈 钊、崔柏涛、德力格仁贵范 敏、顾志军、郭庆文、郝文羲、胡贤武、黄启明、黄泰华、季世成、姜 陆金洪钢、康 宁、孔玉梅、李传康、李 飒、李树仁、李小光、李言波、李彦鹏李长兴、梁 宇、廖 扬、刘春杰、刘德才、鲁利锋、陆声设、路 彦

董小明 陈君

“版画100——2013年度收藏作品展”由深圳画院与中国观澜版画原创产业基地共同主办，中国美术家协会版画艺术委员会、《中国版画》编辑部提供学术支持。项目主要以《中国版画年鉴》为理论依托，以甄选、收藏和推介版画艺术为目标，通过发现和展示本年度国内乃至国际版画艺术的优秀作品和新生力量，把握当代版画发展的脉搏并展望其未来动向，弘扬当代版画创作的时代特色和创新精神。“100”的概念既是指作品的数量，也意喻优秀的质量。该项目得到深圳市宣传文化基金专项经费资助。

《中国版画年鉴》是由中国美术家协会版画艺术委员会和深圳画院共同主办的中国版画界最具权威的专业刊物之一。2002年落户深圳，深圳画院利用自身的学术和专业资源，使其在停刊十年之后得以重新编辑出版。并且自《2008中国版画年鉴》起，已成为深圳市宣传文化专项基金资助的常设项目。多年来，《中国版画年鉴》的编辑工作不断改进，其学术性、文献性和研究性得以增强。

艺术范畴中的版画，作为一个技术范式而存在，其中所有的无论是传统技法或者是创新的技法都来源于对前人经验的传承和借鉴，这不仅保持了版画技法的纯粹性，同时也体现了其所承载的特殊的精神价值和艺术价值。而对于版画历史经验的认识和传承，则有赖于世代历史文献的记载和积累，文献是学习掌握先辈经验，站在巨人肩膀上继续前行的主要工具。“版画100”项目正是从每一年度版画创作的角度介入，通过权威的专业评审，作出学术判断，并且尽己所能收藏和积累当代版画艺术资源，逐渐建立起当代版画艺术家及作品档案。客观呈现、记录版画发展轨迹，形成实体和资料文献，点点滴滴汇成历史的局部，从而梳理和构筑出中国当代版画发展脉络，这也是该项目的初衷和意义所在。

“版画100” 项目从策划组织到实际操作的过程都不尽完美，但至少这项工作已经开始，而且得以持续进行，其中，学术问题和技术问题的讨论与研究贯穿始终。相信这项有意义的工作有益于今天的中国版画，也会载入这个时期中国版画艺术发展史册。

2013年12月，深圳画院计划推出“版画100”展览，展览主要以《中国版画年鉴》为理论依托，以历史的眼光研判中国版画的创作和理论现状，经过严格、认真、专业的评审，甄选出近百幅年度优秀作品进行展出和收藏。

“版画100——2013年度收藏作品展”是首届“版画100”展览，由深圳画院、中国观澜版画原创产业基地共同主办，董小明先生、陈君女士担任本次展览策划。展览从全国版画界2013年度创作、发表、入选重要展览或获得奖项的版画作品中，评选出近百幅优秀作品在深圳画院美术馆展出，作品包括木刻、水印、石版、铜版、丝网、综合版、菲林版等多种版画形式。项目邀请了中国美术家协会版画艺委会前任主任宋源文、中国美术家协会版画艺委会前任主任广军、中国美术家协会版画艺委会委员杨越、《中国版画》主编齐凤阁、中国美术家协会版画艺委会秘书长康剑飞、中国版画博物馆执行馆长李康、《中国版画年鉴》主编董小明、《中国版画年鉴》执行主编陈君8位版画界专业人士担任评选工作，经过两轮评选，最终甄选出近90幅版画作品参加“版画100——2013年度收藏作品展”。

“版画100”展览不仅展示年度优秀作品，还将对展出作品进行收藏。深圳画院试图通过该项目建立一个稳定的、学术的中国版画历史资料库，逐渐构建中国版画的实物档案，展览和收藏的作品将全部收录于同年的《中国版画年鉴》中。深圳画院已计划申请此项目作为常设性的展示和收藏项目，力求做到文献与作品同步建档。

该展将于从2015年2月5日开幕，到3月8日截止，展出作品89件，其中收藏作品83件。

展览现场：

时间：2015年3月1日（周日）15:00  |  2015年3月7日 (周六) 15:00 

地点：广东美术馆一楼展厅（大堂集中）

主讲：胡斌、李冠宇  |  胡震、李耀、WX团队

活动报名表将在1月23日（周一）中午12点开放，敬请留意。

+ 本活动需报名参加，限40人。报名链接：http://app.askform.cn/2185440001.aspx

+ 特别提示：本次活动将使用专用语音导览设备。成功报名的观众请提前15分钟凭本人身份证，到广东美术馆观众服务中心换领音频接收器。

【活动简介】

“机构生产——广州青年当代艺术生态考察”展览在广东美术馆开展，本次一起看展览活动，邀请了胡斌、李冠宇、胡震、李耀、wx团队等策展人亲临现场，面对面与观众分享“广州青年当代艺术生态考察”的策展思路和研究成果。以机构为视角来展开其对生态的某种思想介入和对知识生产的系统研究。介绍艺术家们的创作灵感与艺术思想，及画作背后的故事。让我们一起度过开心愉快的艺术之旅。展览分为5个单元，分别是“学院超链接”“黄边时间”“在小洲：你想/你能干点啥？——2015小洲艺术生态抽样调查报告”“转换”“游走在虚实之间”。  

2015-02-13 23:11:22  来源：雅昌艺术网专稿  作者：何妍婷

摘要： “机构生产——广州青年当代艺术生态考察”展览现场 导言：2月11日，在广东美术馆拉开序幕的“机构生产——广州青年当代艺术生态考察”，从机构的角度切入，勾勒出广州当代艺术的生态地图。近些年来，包括美术馆、…

推荐关键字：广东当代艺术中心 黄边站 机构生产

导言：2月11日，在广东美术馆拉开序幕的“机构生产——广州青年当代艺术生态考察”，从机构的角度切入，勾勒出广州当代艺术的生态地图。近些年来，包括美术馆、学院、艺术中心、艺术村以及另类空间等各类机构的兴起与变革成为当代艺术场域最活跃和重要的现象。它们构成了艺术系统中的不同环节，其层次的多元程度甚至在某种意义上决定了整个生态的面貌。在这张交错丰富的关系网中，广州青年当代艺术也在以“野生”的姿态介入到各种民间机构中去，本次展览以黄边站和广东当代艺术中心作为民间机构的代表，呈现广州青年艺术家生态状况。在当下民间机构兴起的态势中，广州当代艺术“野生”的生命力及多样性呈现怎样的面貌?民间机构如何把当代艺术的“野生”聚拢起来?

野生的生命力

“广州当代艺术家的思路大都是野生的，在这二三十年来都跟北方不大一样，不注重观念性，更多是凭藉感觉、直觉进行创作。”艺术家黄小鹏说道，“这是基于广州的文化氛围，广州的艺术市场不浓烈，艺术家们很少受到市场带来的压力，创作更有活力，更能带动他们的自主性。”

与北京、上海，乃至成都，快速发展的当代艺术生态相比，广东的当代艺术土壤仍需继续发酵，缺少品牌项目、艺术市场和鲜明的特色等，一直未能形成完备的当代艺术生态环境。

2012年，胡斌策划的“野生视觉——广州青年当代艺术家专题展”，首次以展览的形式呈现广州青年艺术家鲜活的“野生”面貌。在策展人胡斌看来，“野生”是与主流相对的，而不是野外的意思，亦非表示学院外，是个体自发的，集合自身学习、生存经验和多元文化浸染的杂糅体，“广州的青年艺术家创作的状态还是集聚在群落和另类的空间，仍处于自发的状态。因为广州繁荣的市民文化和经济基础，也为青年艺术家的野生性提供依托。”

在“机构生产——广州青年当代艺术生态考察”中，“野生”无疑是被提及最多的词汇，在参展的艺术家中，以职业艺术家身份加入的不多，更多是有着自身的职业。

参与本次展览的李景湖，是广东东莞唯一一位当代艺术家。2002年，30岁的他辞掉在深圳稳定的美术教师工作，回到东莞老家，在社会最底层的农民、工人的生活中开始了漫长的艺术之路。“以前村子周围都是农田，在上世纪80年代末陆续地变为工厂，逐渐形成了工业区，跟我离开前的乡村感觉完全不同。对我而言，这里是一个即熟悉又陌生的地方。每天面对形形色色的工人，我的理念发生了变化，我发现这里有很多可以创作的元素。”现在村里的劳动服务站上班的李景湖，每天的工作就是接受工人的投诉，进行劳动纠纷的调节。与工人的直接接触，让他的创作更为直观。上一年他的个展“效率就是生命”中，大型装置《彩虹》以斑斓的色彩吸引的观者的关注。艺术家以村民家里的物品根据彩虹的色彩变化一字排开，“这些物件来自我周围的平凡的、底层的工人和农民，他们的生活都很辛苦，很无奈。我收集了一些他们的生活用品，当我将这些物品集成一道彩虹的时候，我意识到，即使看起来生活最困苦的人，心中也保有希望。”

“可能我的作品在商业上不是特别受关注。对我而言，更喜欢在纯粹的氛围中创作。”李景湖在武汉扬子江论坛、北京的箭厂空间、广州的观察社等非营利的艺术机构都曾举办过展览，但直至去年，他才首次在画廊举办个展。

在黄小鹏看来，随着中国整个艺术生态的变化，广州当代艺术的生态也发生了变化，“广州的艺术家之前只要做一两件作品，就很容易被认为不错;但是现在，这种情况越来越难，年轻艺术家的作品要有系统性。青年艺术家在保留这种野生的同时，也要回到当代艺术系统性里学习，再跳离这个系统，要不很难持续下去。”

艺术乌托邦

民间艺术机构弥补了学院在推动当代艺术发生及发展的需求，学院所需要的更多的伸展空间，都在机构和群落中有意无意地延展。黄边站，算是这种延展关系下的产物之一。黄边站也许可以被归类为另类空间，在2012年底，以“打造艺术乌托邦”的姿态诞生，成为广东时代美术馆一个长期的项目。黄边站作为附带教育功能的研究机构，每年招收6—10位研究员，成为青年艺术家的一个“练习场所”，以讨论和思考代替艺术展，尝试完全摆脱现有的教育结构，建立一种新型的“师生”互动的平等关系。

“很多有才能的美术专业的学生毕业后都消失了，因为缺少一种把大家连接在一起的纽带。尽管毕业生会聚在一起喝酒、聊天，但大部分年轻人还是很孤单的。”黄边站负责人之一、华南师范大学美术学院特聘教授黄小鹏说道，“有些艺术家习惯于个人工作的方式，特别是在现在的情况下，艺术家不一定愿意把自己的艺术创作与大家共享，但通过黄边站，渐渐地改变他们的想法，因为共享是当代艺术里非常重要的方面。”

在“黄边时间”单元，策展人试图以广东时代美术馆下属的黄边站当代艺术研究中心为对象，对其在过去两年的工作机制、实践轨迹、搭建的专业与社群网络、做出的成果和仍在持续更新的艺术生态培植试验进行梳理、回顾与呈现。“我们希望通过时间的线索，把黄边站的过去、现在与未来同台推衍，以静态的艺术作品、工作文献、录音、录像为基础，结合动态的现场表演、论坛、讲座、分享会、对话和新项目的生产，整体呈现黄边站的工作肌理与机构特质：一个基于特殊时间性的实践共同体与价值实验室的真实形态和潜在内涵。”

担任“黄边时间”单元策展人的李耀，在黄边站刚成立，即成为研究员。这次从民间机构到官方美术馆的策展经历，让李耀收获颇丰，“对尺度的判断上，是这次工作中重要的问题。‘黄边时间’是以一起策展的理念在进行，原本我们报备11件作品，在作品展示的时候，我们以一起布展的概念完成的，根据展场又创作了作品，在实施的过程中，这给美术馆带来了困扰。通过这次的经历，我更了解官方美术馆的工作方式，同时官方美术馆对民间机构作为这次展览的策展人，实践方式、工作逻辑、审美趣味有更多的理解，这是一个很好的开始。”

《为何关闭黄边站》是李耀在黄边站策划的第一个项目，从机构批判的角度切入黄边站的工作，而且同时回应全国的时事，从概念到线上的讨论、征集到线下展览，进而对社区的介入，现在这个项目已经完成了前两个阶段。“黄边站的教育更多是自发性的，是自我教育和互相启发的状况，在策划《为何关闭黄边站》这个展览之前，我从来没有想过、也没有条件做这种大型的艺术社群项目。黄边站的民间性、包容性、自主性、独立性，给我提供了非常开阔的视野，后来策划的《投石问路》和《艺术公园》也是强调公共性、参与性、过程性。与我一起完成《艺术公园》的两位艺术家，他们也参与了《关闭黄边站》的项目。”

在黄小鹏看来，黄边站与广东时代美术馆紧密的关系，为黄边站提供了非常好的资源及平台——参与黄边站艺术项目的年轻人可以参与有意思的艺术讨论;也可以让来广州的策展人和艺术家看到这些年青艺术家的作品，有更多的机会被发现;知道整个当代艺术系统是如何运作的，包括策展、美术馆与艺术家的关系等，“这对他们以后的发展很重要”。

部落式艺术家聚集地

广东时代美术馆、53美术馆、广东当代艺术中心等，各类民间机构的兴起与变革，应对了不同层面当代青年的取向，已成为广州当代艺术发展的重要依托及必然趋势，并在某种意义上决定了整个生态面貌。机构的介入是否会影响到野生的多元性?在胡斌看来，“众多机构的兴起，这与学院对于青年艺术家的作用是同步增长的，这也是为什么当下青年艺术家越来越有一种身处于一个系统当中的感觉。当然当代艺术里面可能也有好几个圈层，有的相对主流，有的是更加前沿，有的是更和国际接轨……不管哪个圈层，都能感受到身处在系统当中的感觉，并且越来越强烈。因为整个中国当代艺术的系统越来越致密化，把这些艺术家包裹在里面，那种野生的、散逸的、零散的状态也许将慢慢地消失了。”

在这次展览中的第四单元“转换”中，以广东当代艺术中心作为此次当代青年艺术生态考察展的一条机构线索，从艺术中心这一开放的载体出发，探索艺术家在空间和时间之中发生的各种“转换”，“思考青年艺术家在聚集的工作室区域内所产生的思维、创作的交流碰撞与改变;也尝试通过中心的国际艺术家交流平台，关注在外的广州青年艺术家于不同新域下的形成的转变与新的可能性。”

广东当代艺术中心在上一年底才成立，作为目前国内少有的、直接以当代艺术命名的艺术机构，它的创建无疑填补了广州在当代艺术机构方面的空白。由“广州第二棉纺厂”改建而成的空间，拥有8000平方米的展示和存储空间，此外，还开辟了26个艺术家工作室，形成部落式艺术家的聚集地，“现在已经有22个艺术家入驻，有三个国际艺术交流工作站，另有一个当代艺术文献库。”广东当代艺术中心创始人黄子龙说道，“艺术机构选择艺术家与艺术家选择艺术机构是同样的道理，要选择好的艺术家，必须提供的平台真的是一个理想国，达到他们的要求，他们才会过来;反过来，我们中心对艺术家的挑选也特别严格，记得第二批艺术家进来的时候，我们通过很多老师的推荐，去考察了20多位艺术家，后来才选了一位。”

作为带有半机制性的艺术家聚集地，在艺术家徐坦看来，“机构与艺术家是相辅相成的关系，艺术家的成长需要机构提供平台和机会。一方面，不同实践群体的加入让机构更充实，并拓展机构的工作区间和领域;另一方面，机构的工作会带来某种程度上的机构化，即“体制化”，从一般的角度而言，大家也许会觉得“体制化”会带来某种艺术类型或者艺术制度的固定化，相对不太利于艺术家的成长，但在我看来，体制化或者机构化是一个必然的过程，只是这不是一个一成不变的过程，体制化是一个需要。随着青年艺术家的加入，会为体制化增加活力，会对体制化产生影响，他们会让体制往一个优化的方式发展，往灵活、弹性的工作方向发展。我想这个是对于机构跟艺术家之间互为生成，互为拓展的，青年艺术家的介入为机构的工作范畴的打开提供了契机，但是艺术机构的存在本身又为艺术家的成长提供了后盾。”

上个世纪80、90年代的广州的当代艺术活跃及先锋姿态让人印象深刻：首个涉足艺术品市场的双年展在广州发声;当时以李正天为核心的“105画室”，梁钜辉、林一林、陈劭雄等组成的“大尾象”，王渡，曹斐，郑国谷等成为了广州当代艺术的标杆;艺术机构如缘影会、观察社、博尔赫斯等自发性的艺术机构，是当代艺术的试验场。现在，广州的整个艺术生态，在一线城市里比起北京和上海，甚至重庆，都似乎显得不太繁荣，广州是一个独立的、有自成一体的艺术生态的地方，无论是艺术家群体所显示出来的工作方法上，还有整体的气质上，都会区别于其他的城市。广州青年艺术家的创作非常有弹性，有一个自主的活动空间。虽然广州有不理想的地方，但是整体来讲，有越来越多的艺术机构的出现和助推的情况下面，会有更多的可能性。

转载雅昌艺术网

2015-02-13  来源： 雅昌艺术网专稿  作者：何妍婷 欧宝静

摘要： “机构生产——广州青年当代艺术生态考察”开幕现场 导言：近日，广东美术馆带来了跨年大戏“机构生产——广州青年当代艺术生态考察”，这次展览从青年当代艺术生态考察入手，以抽样的形式，挑选了四个最能代表广州不…

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导言：近日，广东美术馆带来了跨年大戏“机构生产——广州青年当代艺术生态考察”，这次展览从青年当代艺术生态考察入手，以抽样的形式，挑选了四个最能代表广州不同层面的艺术机构和群落——学院、黄边站、广东当代艺术中心和小洲村，通过机构、群落与艺术家的直接关系，勾勒出广州当代艺术的生态地图。被称为艺术庙堂的学院作为主要“生产”年青艺术家的途径，它的痕迹遍布这张层次丰富、形式各异的关系网。学院青年教师作为重要的成员，艺术创作是如何的?自然形成的聚集于学院周围的艺术群落又有怎样的特点?

青年当代艺术生态

在广州举办的许多大型重要展览中，广州本土艺术家作品曝光率并不高，青年艺术家几乎缺席，而此次围绕青年艺术的展览，尽管以抽样的形式呈现，几乎囊括了广州本土重要的青年艺术家。究竟是哪些方面吸引广东美术馆动用全部的展厅带来如此声势浩大的青年当代艺术展?“广东美术馆其实一直在关注青年当代艺术的发展，但是如此大规模地以一个展览的形式来关注当代艺术，特别是关注青年当代艺术还是第一次。策展这次展览从以下几个方面考虑，一想摸清广州青年当代艺术家到底依托于哪些群体、哪些机构从事艺术创作，通过这个展览我们找到了学院、小洲、红专厂和53美术馆、广东时代美术馆以及广东当代艺术中心，我们设想能否通过这些机构把艺术家链接起来，直接用一个展览来与他们对话，让观众了解广东当代艺术、青年当代艺术家的真实的艺术思考和创作状态。其次，我们也是希望通过这次展览，加强与各个机构的合作，广东美术馆作为国家美术馆，通过这次围绕青年艺术家的生态调查展览的大基础上，形成民营美术馆跟公立美术馆之间的互补关系，通过这次展览，也彼此看到了对方的优势，这次合作是一个开头。最后，我们希望通过这次展览，摸一摸广东目前有多少比较优秀的、有潜力的青年艺术家，他们能否作为后备力量，进入下一届的广州三年展、亚洲双年展，也希望能大大地推动本土的当代艺术的发展。”广东美术馆馆长罗一平说道。

“机构生产——广州青年当代艺术生态考察”，分为“学院超链接”、“黄边时间”、“在小洲：你想/你能干点啥?——2015小洲艺术生态抽样调查报告”、“转换”，以及“游走于虚实之间”五个单元，占据广东美术馆三层全部展厅，以前所未有的规模从机构层面对广州青年当代艺术生态做一个系统梳理。

进入展厅，首先看到的是来自第五单元的作品《光合作用生态项目》，148盘植物错落有致地安放在两层展厅高的墙上。在该单元的策展团队WX团队看来，艺术家的工作室就像是艺术家的创作生产工厂，他们将植物分发到艺术家的工作室去，在一段时间的培育过程中，由于每位艺术家的工作环境都不一样，植物的生长状态也不尽相同。一段时间后将这些艺术家工作室的植物回收，统一进入美术馆。“《光合作用生态项目》，主要的目的是要从侧面去了解艺术家的工作环境。通过这个项目构成了一个由复杂的光线、地理位置、艺术家个人习惯等组成的生态地图。”

与前面的四个单元不同，第五单元从宏观的角度观察广州的当代艺术态势，“艺术生态地图”更是成为贯穿整个展览的线索，策展团队将广州境内当代艺术区罗列在广州地图上，同比缩小并投射于广东美术馆三层的地板，每个单元都相应地标识出艺术机构群体的地理位置，让这次展览在时间和空间上有了合理、序列性的依托。

学院之变，传承及变化

回顾历史，无论是上世纪80年代中期发端的成名艺术家，抑或是新生代艺术家，大都出自于学院。在四个机构抽样中，学院无疑是最初级、最大基数的艺术家培育机构，“学院其中一个优势是把未来的艺术家聚集在一起，通过系统的教学，让青年人进入思考的层面”。

追溯上世纪八九十年代，在广州的美术院校乃至全国的美术学院体系里，“当代艺术”是一个隐晦及不被提及的词语，与既有体制之间是紧张甚至对抗的关系。但近年来，这种关系被重新梳理及定位：一方面，在当代艺术不是学院主流的情况下，学院自发性地产生了很多重要的当代艺术家，令学院成为一个思想交锋或者发散的场域;另一方面，他们既受外部大环境的影响，也受内部催生的改革力量的影响，美术院校内部架构也发生了变化，广州美术学院油画系教授范勃表示，“教员的知识结构、观念也在不断更新，在教学当中亦有体现，同时也推进了青年学生在面临当下的文化现状时，作出自己的应对和判断。”

在本次展览中，“学院超链接”单元由胡斌策展，重点梳理学院内部的传承及发生的变化，及对当下青年艺术家生态产生的影响，以四个展厅呈现这样的脉络：一号厅侧重从图式绘画以及对于这个图式系统的反叛来展开;二号展厅侧重从时间感知的角度出发，以及由新媒体引发对环境和社会形态的认知;三号展厅集中从身体的体验和治疗角度出发，探讨人对生命轮回的思考;四号厅则集中在景观和叙事方面，作品多与景观有关，在看似平常的景象中，实际上蕴含着一种时代的变迁。

在这一单元的参展艺术家，“青年美术学院老师”是不容忽视的群体。韩建宇作为毕业于广州美术学院油画系的学生，现在任教于油画系第四工作室。从学生到老师，韩建宇一直“蜗居”在位于广州美术学院昌岗校区不远的LOFT345，曾经他的工作室与起居室混为一起，“住在这里，有利也有弊。免去路途奔波之苦，让我拥有更多的创作时间，一天下来甚至可以画上十几个小时，但是生活与创作搅在一起也有烦恼的时候。”为此，前年，他租下楼下的另一间房子作为真正的起居室。在接受媒体采访时，韩建宇用“越来越懂得生活”作为“以前”和“现在”的区别，“现在更懂得花时间去反思、反省，于是作品风格也随着自己的状态改变而发生变化”。一直沉迷于历史的他，在创作上以历史、社会、国家、政治等作为题材，毕业创作《同志系列》，大获好评也更坚定了他之后的探索方向。在2011年，他的创作转换了轨道，充满政治色彩的符号化的图式从画面中消失，开始了关于风景的创作。“现在的作品可以说渐入佳境，我不再受图式和技法的约束，这种形式可以有很大的发挥空间，更可表达任何东西。”“从早期的波普图像的形式，到现在的这种去政治化的风景创作，也是由前面的作品慢慢推进和建构起来的，暗示对当下的一种态度，这种转变是一种从感性到理性的分析，再到观念的过度。”韩建宇说道。

现任教于广东外语外贸大学艺术学院的吴超，参展作品《植物人视听唤醒项目》作为一个社会介入的项目，通过声音、文字、影像、照片，在不到10平方米的空间里带出浓烈的学科性意味。对于这件作品，吴超表示，是回到现实中来的创作，“看艺术和生命的相互关系，也会推动我艺术语言上的探索和发现，我的整个创作方向都是围绕生命本身的一些问题来进行。我有接触医院的医生，他们也有会来看我的展览，这个项目是在医学和科学的前提下创作的。”

学院之外，艺术群落的延展

“生态越复杂，越能够看出这些艺术家们的观念和他们创作的价值之所在。”无论是在广州美术学院老校区还是新校区，周围形成了艺术家的聚集点：南亭村、小洲村、LOFT345等。在广州的众多机构群落中，小洲村是与其它环节交叉点最为密集的一个区域，同时又是自发呈现出最复杂状态的一个区域，除了艺术家驻地创作之外，还有艺术空间、美术培训班等等，与相对成熟的系统机制相比，呈现出来的面貌和层次都更为复杂。据此，在这次展览中，小洲村被当成一个机构概念来进行研究。

“小洲村艺术家个体的特性尤为明显。这些艺术家大多是从美院毕业，因为生活原因或者创作需要，选择驻留小洲村。至于与学院的联系，也是个人的选择，可能跟某位老师保持着联系;也有一些是把自己的视觉和这种触觉伸向社会，伸向学院以外更广阔领域中去，跟文学界、音乐界、舞蹈界有更多接触，通过这样的接触去丰富自身对当代艺术的认识。”胡震介绍道。

在这次展览的二楼的中央，整齐地排列着三百多个香气四溢的烧饼，这是长驻小洲村的柯荣华的作品《走鬼武大郎》。2006年毕业于广州美术学院油画系的柯荣华在2010年回到广州大学城，发现大学城里保留的群落也越来越商业化，增加了很多流动人口，从路边摊、小店、商业区……促进他希望用一种艺术探讨的方法思考这一公共话题，并引出社会的关注点。“我雇了两个助手在路边卖烧饼，希望用这样的方式更接近社会常态里面的那些人，并把他们拿回来的资料变成一个艺术语言去探讨。并想反映在摆路边摊的心理反差是怎样的，这种矛盾的冲突会带来更深刻的思考。”目前为止，柯荣华和他的助手们已经坚持了将近三个月的摆摊生活，每天晚上8点到12点是他们的工作时间，这个项目预计进行1年的时间，“我们每天的情绪都有很大的波动，这个过程中产生的费用很大，我们也会考虑到能坚持多久，靠烧饼赚来的钱有多少，亏了怎么办，赚了怎么办?设身处地地从社会底层人民的生存状态进行思考。”

腾挪空间作为小洲村的标志性“机构”之一，诞生于2009年，由来自巴黎、广州、成都的几位年青实验艺术家组成。只有6平方米的空间采用封闭管理、橱窗式的展览方式，免费向艺术家开发。“这些自发的组织，代表了展览的制度和方式越来越程式化的当下，小洲村的艺术家们却能保持一种艺术上的自觉。这里的艺术家以及由艺术家自发的组织，资源大多来源于学院，但理念和方式又与学院不一样，它在某种程度上为广州的艺术生态提供很不一样的思考角度，或者补充。”胡震说道。

“他们在以一种更加诗意化的方式去对现实世界做回应”，胡震以此概括小洲村艺术家目前的创作状态，“他们在实操的过程中提出一些理念，既是对学院的补充，也是对学院既有理念的突破，给当代艺术的观念和创作带来更多可能性。”

转载雅昌艺术网

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孙冬冬：非物化艺术家应获得更多的展览机会

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李峰：艺术展览应面向社会现状而非歌功颂德

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付晓东：年轻艺术家应珍视被发现的机会

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戴卓群：当代艺术的发展定义华宇青年奖的气质

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【凤凰艺术独家报道】2014年“第三届三亚艺术季暨第二届华宇青年奖”的颁奖典礼已经结束，展览还将持续至2015年3月20日。然而在评审过程中，专业的评委阵容，50位入围艺术家的100件艺术作品所展现出的多元视角，依然还在“凤凰艺术”星人的脑海中反复循环。想必您也想要深入了解评奖过程中的一些环节吧？比如你想知道评委是基于什么标准来进行评审？又如，为何这个奖项选择在三亚举行？“凤凰艺术”在三亚独家采访到了2014“华宇青年奖”的终审评委、尤伦斯当代艺术中心（UCCA）馆长田霏宇，请他畅谈此次担纲评委的切身体会，对当下中国当代艺术生态的感悟，以及对“华宇青年奖”设立的看法等。

（为方便您的阅读，以下凤凰艺术简称为“Q”，田霏宇简称为“A”：）

田霏宇：我觉得这个展览水准挺高

▲ 终审评委、尤伦斯当代艺术中心（UCCA）馆长田霏宇

Q：田霏宇，你好！作为尤伦斯当代艺术中心的馆长，你曾经策划过很多青年艺术家的展览与项目，也做过很多奖项的评委。那么，此次作为“三亚艺术季暨华宇青年艺术奖”的终审评委，你觉得从评选出发点这个层面上来说，与你以往经历过的有何不同？

A：我觉得这次比较有意思的是通过50个人的入围作品展，其实可以看到中国年轻艺术家较为全面的面貌。最近虽然评奖比较多，比如说泰国的或者别的面向全球的，但很久没有看到这种规模去总结中国青年艺术家实践的一个展览，所以收获还蛮大的。有一些艺术家，我之前不是很熟悉，有一些是知道的，但是这次看到了他们的新作。这次的初评评委都是比较资深的，也比较懂圈子，而且他们了解这些年轻艺术家，所以我觉得这个展览水准挺高的。

田霏宇：中国青年艺术家的视觉语言表达跟全世界没有具体区别

▲ 华宇青年奖展览现场

Q：今年“华宇青年奖”入围的艺术家来自四面八方，你感觉他们的作品中有什么样的闪光点？

A：我觉得从中可以看出一个持续性的趋势，中国青年艺术家所使用的视觉语言的表达方式跟全世界的越来越没有很具体的区别。现在这种时间的差异拉得特别近，很多展览上的作品放到一个全球化的语境里去跟其他国家的艺术家形成一种多元化，都是可以成立的，所以我觉得这一点是非常有趣的。

▲田霏宇推荐的“评委选择奖”获得者艺术家王海洋

▲王海洋《无题1》布面丙烯，2013年，240x210cm

▲王海洋《无题1》布面丙烯，2013年，240x210cm

Q：相比较国内有些青年艺术奖，“华宇青年奖”似乎不那么商业化，在评选过程中，你觉得有什么值得分享的体悟？

A：其实最难的工作都是由初评评委完成的，这里展出的作品里面也有很多是非常不商业化的，当然也有一些是具有这种物质形状的作品，这肯定有的。但总体感觉是涵盖了一些跟社会调研或者是跟一些比如说文献考察这类艺术实践有关的作品，它有这个容量，我觉得这非常有趣。

那么至于我们的选择，只能说是国内两个最大的美术学院都有所代表吧，吕胜中老师、张培力老师所代表的央美和国美，比例上也是如此。我们的评委会主席皮力是一位非常资深的中国艺术史研究者，还有我，还有徐累也是一位对传统认识很深的艺术家。之前，我以为我们的分歧会特别大，但是大家都很快就得到了一种共识，我觉得这点挺有意思的。

▲ 终审评委、艺术家、中国美术学院教授张培力

▲ 终审评委、艺术家、中央美术学院实验艺术学院院长吕胜中。田霏宇认为张培力和吕胜中代表了“央美”和“国美”的艺术标准；终审评委的设置保证了奖项的客观和权威性。

田霏宇：中国当代艺术最缺乏由权利去推荐和引领我们趣味的专业机制

Q：你作为一位长期在中国工作、生活的美国人，对中国当代艺术的发展作出过很多贡献，你觉得像”华宇青年奖”这类奖项的设立，它对整个中国当代艺术发展有什么意义呢？

▲ 华宇青年奖奖杯侧影

▲2014“三亚艺术季暨华宇青年奖”颁奖典礼现场

A：我觉得中国当代艺术最缺乏的可能就是这种由权利去推荐，或者是去吸引注意力的机构、奖项、媒体等。有某些东西，我们觉得是值得去关注的，但是谁有这个资格和权利去引领我们的趣味呢？这就是要建立我们对一种专业性的判断与引导。所以我觉得从这个奖项的评选过程就中可以看出组织方的认真态度，他们尽力去吸引和展现在艺术上较有意思的一些立场，这对中国青年艺术家是一个很大的扶持。

田霏宇：国度足够大时可以在偏离或滞后的地方做出有贡献的东西

▲ 田霏宇认为巴塞尔迈阿密艺术展为三亚提供了参考样本

▲2014年“华宇青年奖”主题宣传海报“潮汐间”

Q：中国当代艺术的发展有地域集中的特点，而海南三亚属于当代艺术发展偏滞后的一个地方，然后在此设立这么一个奖项，你觉得它有什么意义呢？

A：其实当一个国度足够大的时候，就可以在一个所谓的偏离或者是滞后的地方做出一些对全国有贡献的东西。比如说美国的迈阿密，十几年前当巴塞尔艺术展决定在那边举办一个博览会时，大部分人都觉得是一个很疯狂的选择，那边没有太多的艺术机构或者美术院校。但是这种比较目的地式的艺术活动其实非常有意思，因为它也可以吸引全国的关注，我们看这里有，其实北京、上海、杭州、香港、包括台湾也都有。而且说白了，到12月份，大家也很都愿意顺便来到海南三亚这样的一个地方晒晒太阳、渡渡假。

田霏宇：最大的担忧就是得使用一切办法避免一种自闭性

Q：在你看来，35岁以下年龄段的艺术家，他们在作品中对当代性和社会实践性的关注与体现强烈吗？

A：这代艺术家最幸运的一点，也是他们最惭愧的一点，其实艺术史已经走出了那么直接的、只有一条线的叙事，变成了一个非常多元化的状态。在这个很丰富的艺术生态下，也较难看出一些有这种历史意义的时刻。不太会再来一个像89大展或者是星星画会这样一个章节性的片断。但是好在于这个生态还是比较完整，而且环境还是比较健康，再加上中国在全球语境里面的地位也越来越核心，所以使得这些艺术家已经不具备这种需要去为全国、全民去说话的责任。他们其实是有权利去在一个国际语境当中去探索自己所感兴趣的点，其实就是说他们跟其他所有国家的术家已经是一种非常平等的状态。这个就是说，一方面其实牺牲了这种五四运动式的对国家的负担，可能可以做出一些杰出的贡献的，但是同时获得的是一种去形成一种很真诚的、一种实时的跟全世界的对话。我们没有选择，已经走到这儿了，我会建议可能还会比较注重积极的这方面。

▲“2014华宇青年奖”评委选择奖获得者艺术家叶甫纳作品《一间有想法的房间》，视频，30分钟

▲2014“华宇青年奖评委会全场大奖”获得者艺术家胡为一作品《我静静地等待光从身体穿过》

▲2014“华宇青年奖评委会大奖”获得者艺术家吴超作品《美美唤醒》，植物人唤醒项目，2014年，尺寸不定

Q：明白。如你所说，中国的这些年轻艺术家的创作语境，包括他们对待艺术范畴里解决问题或思考问题的这种方式，已经跟其他国家，包括美国、英国等国的顶级艺术家很接近了。这种发展趋势是否让人有所担忧？

A：我觉得最大的担忧就是得使用一切办法避免一种自闭性，对吧？你可以往个人表象方向走，但是同时你得打开，注意到其他地方的人，包括你周围的人在做什么，不能完全陷入一个只关心自己周围这些东西的艺术陷阱里。我看到有一些作品里展现的是这么一种趋势。可以通过互联网或者社会现实当中的关联，避免这样的问题出现。

Q：提名、筛选、评审、名次、颁奖等，客观地说这些组合成一个封闭的系统，而当代艺术的发展需要具有开放性，想知道这个相对封闭的系统是如何与当代艺术的发展发生关系的？

A：对，当然是问题。在一切都有可能的情况下，如何去评出一个所谓的最好或者最优秀，这跟它自己的一个定位或一个倾向有很大关系。所以这个奖虽然今年才是第二次，我们已经可以看出它对带有社会实践的作品有一定重视度。它其实是想指出一些中国当代艺术生态里面、在其他环节里可能亮不出来的点。比如说，因为它毕竟不是一个纯粹的市场行为，所以它其实有一种自由度，是可以引领大家去注目这些比较有意思的艺术事件。

Q：现在青年艺术家的条件太好了，就有点像被宠坏的孩子。其实艺术很多时候不应该是在这种状态下发展的。你觉得市场的繁荣，是否会使得青年艺术家的发展过度依赖于市场？

A：这个其实是很自然的，因为艺术市场就是这样，用这个展览的标题“潮汐间”来说，就是有各种浪潮。现在市场很好，可能再过几年就不好了，也可能以后又好了。对此，我们没有任何一个人可以去反抗，所以只能说是在目前这个大背景下，以及在未来的大背景之下，如何去做出时代真正允许和关心的事情。

（凤凰艺术 Gege、张腾文、卢王飞 三亚报道 责编伯牙）

视频地址：http://art.ifeng.com/v/20150105/21c8a017-ac45-42b8-9bca-4e996e5c2f0d.shtml

【凤凰艺术独家报道】2014“第三届三亚艺术季暨第二届华宇青年奖”的颁奖典礼已经结束，展览还将持续至2015年3月20日。然而在评审过程中，专业的评委阵容，50位入围艺术家100件艺术作品所展现出的多元视角，依然还在“凤凰艺术”星人的脑海中反复循环。想必您对评奖过程中的一些环节也想要深入了解吧？比如你想知道评委是基于什么标准来进行评审？又如，为何这个奖项在三亚举行的意义何在？“凤凰艺术”在三亚独家采访到了2014“华宇青年奖”的终审评委、“中国录像艺术之父”、艺术家张培力，不多说了，视频采访已经出炉，请您一并阅读以下内容吧！

（为方便您的阅读，以下“凤凰艺术”简称为“Q”，张培力简称为“A”）

Q：张培力老师，你好！作为著名艺术家、OCAT上海馆执行馆长、中国美术学院教授，相信你曾参与或见证过很多艺术奖项，而这一次在三亚为“华宇青年奖”担任终审评委，请问你什么感想？

（图注：终审评委、艺术家张培力接受“凤凰艺术”专访）

A：虽然这次最后入围的只有50个艺术家，但这50个人的艺术水准挺接近的。我觉得整体上“华宇青年奖”的组织工作做得很好，但从展览上讲，还是有一些可以改进的地方，尤其是录像，声音串的比较厉害；作品之间的间距也比较近。总体上看，100件入围参展作品的水平都很接近，艺术方向比较多元化，基本上能够呈现出一个青年艺术家当下的现状，他们创作的一个状态。

Q：据说入围的100件作品中，有50%都是影像作品。你作为“中国录像艺术之父”，请问看过这些作品之后有何观感？

A：这里边影像作品，我有一些看过，有一些没看过。其实我还是很愿意、很喜欢看到影像的，这些作品在展览的时候如果可以按照媒介来划分一下，或者说影像专门划分出一个单元来，这样会更好。现在看来，影像作品在布展方面稍微有点儿缺憾。相对于我所了解的情况来讲，入围的影像作品还不是特别全面，有一些目前比较出色的做影像的艺术家没有看到，我觉得这多少有点儿遗憾。比如说像李明、陆扬都没有在这个展览里边。

Q：“华宇青年奖”大部分评委是理论家、批评家或策展人，但你和吕胜中、徐累都是艺术家出身的评委，很想知道你的评判标准是什么？

A：作品质量。

Q：是凭借着你作为艺术家的经验去判断的吗？

A：我不太关心艺术家说什么，而且很多时候我觉得艺术家说的跟作品没有多大关系，主要还是要去看作品。我觉得如果艺术家说的能够为解读作品提供一些参照，那这个“说”是有意义的，很多时候那些“说”是没有意义的。有一些艺术家试图想用“说”来对作品做一些润色，或者说是让作品显得更加模糊，变得更加悬乎，我觉得这都是多余的。所以基本上我还是立足于看作品的质量。我一直相信不管是什么背景，什么出发点，不管是什么观点、艺术观念和态度，作品的成品呈现，或者说是一个视觉的语言，这是第一位的，至关重要的。观众首先能看的到是呈现的是什么东西，这个东西能不能有一个说服力，这才是关键。

张培力：这个要避嫌，我不能选

Q：昨晚宣布的“华宇青年奖”最终的获奖艺术家，他们是否都在你的预料之中？你能不能挑选几位获奖者来进行一下点评？

A：其实对于最终的获奖者，我们不能说都是意料之中的。意料之中有很多艺术家有获奖的可能性，有很多艺术家也做得很好，但最后比较难做决定，难取舍，因为整体水平接近。好作品很多，不管是绘画、雕塑，还是录像、影像等。比如说杨心广的作品，我很喜欢，但是我不能选他，因为他跟我是一个画廊的，这个要避嫌。也有很多艺术家跟我是师生关系，我也不能选，但实际上他们都是具有获奖可能性的。最后的结果是两位艺术家获得了大奖，胡为一和吴超，可以说是意料之中的，但是这里边也带有一定的偶然性。

张培力：第一要找到方向；第二要介入社会

（图注12：2014年12月18日下午6时，皮埃尔·于贝尔先生揭晓荣获“2014OCAT皮埃尔·于贝尔入围展”大奖的艺术家林科，OCAT总馆执行馆长、策展人、艺评家黄专向其授予奖状和殊荣）

（图注13：上海OCAT执行馆长张培力在颁奖仪式上致辞）

Q：你不仅是艺术家，同时也是艺术教育家，从这个角度来看，其实跟青年艺术家之间的互动应该很多。50后、60后这代人经历过各种磨难，时代的变迁，而80后、90后这代人生活在一个比较幸福的时代，有点儿像“温室里的花朵”。有说是艺术家在苦难里才能够找到感觉，你觉得当下这种艺术生态环境对青年一代艺术家的创作而言，是好事还是坏事呢？

A：他们这代人所处的整个背景跟我们非常不一样，我觉得不管怎么样，有几点非常重要。第一，他应该很迅速的找到自己的方向，不管是在什么样背景下成长的艺术家，这是必须的，这个时段越长就越糟糕。当然，即便他找到了自己的方向，也不等于说是所有事情都解决了。在语言上、观念上，在很多方面、很多方法上，都必须不断做些修正，或者说是要做自我反省和批判，否则就不能继续往前走。所以他必须要有一种不满足的精神和态度，应该有一个对自己非常高、非常苛刻的要求，这不是外界能给予的，而是他自己给自己的。

第二，我觉得不管怎么样，个体当然都是不一样的，我觉得艺术家的出发点，可能多多少少都是受那种很强的个人经验的影响和牵制。但是我还是希望更多的年轻艺术家们能够从个人经验出发，把他们的目光跟社会连接起来，产生一种关系。他们应该更多把个人的事纳入到社会当中去，因为他是社会中的一员，而不是个体就是一个全部。所以，我觉得过于个人化的，从个人经验当中走不出来的艺术家也是很危险的。

Q：这是你对80后、90后艺术家们的期望吗？

A：其实也不是，我觉得所有艺术家差不多都是这样，50后、60后艺术家其实也差不多是这种情况。

张培力：我想进一步打破圈子的影响

Q：那么在三亚经历的“华宇青年奖”和之前你参与的别的奖项，如刚刚结束的OCAT奖相较，有什么不同呢？

A：很不一样。OCAT那个奖项，我参与了前期的推荐，这个程序可能跟三亚“华宇青年奖”有点儿像，但我们的推荐人范围可能更广，包括艺术经济人、收藏家、专业媒体、大众媒体、艺术家、艺术教育者，还有批评家和策展人等。也就是说，和艺术圈相关的各个方面、各个角度，我们都将他们纳入其中，都考虑到了。我们也是想做一个尝试，因为过于泛的海选没有意义，过于专业的圈子也会造成一种权力的过于集中。所以我们甚至考虑下一届在推荐人这个层面需要的人数还要多，今年选择的推荐人大概是100多位，那么下一届要做的话，可能我们会考虑找两三百位。

Q：听说这次三亚“华宇青年奖”的推荐人是70多位？

A：对，这还是属于较小范围的推荐人，但最后被推荐上来的艺术家很多，近200个艺术家。但之前在OCAT的评奖上，我们评选的规则是前面得票最多的前8位自然进入提名展，这样一个初审的环节就没有了。其实推荐本身也是初审，也是可以算是一个民选吧，一个自然选择的结果。然后就是8个艺术家做展览，另一个一个关键就是OCAT奖的5个评委都不住在中国。

Q：都是国外的评委？

A：关于OCAT奖的评委的选择，我考虑了很多，最后，我还是想进一步打破这种圈子的影响，或者说是一种所谓的某种权利集中的、山头的影响。因为年轻艺术家要有机会，很多偶然机会，比如认识策展人，然后有机会进入重要展览等，如参加上海双年展，渐渐被人发现、关注了等。青年艺术家想要被国际的策展人知道就更费劲了，被国内策展人知道以后，其实就是进入了不同的圈子。所以最后我是在中国圈子之外来选择终审评委，这样就把圈子的影响缩小到最低限度，把一些比较出色的艺术家直接推到了国际视野前面。其实得不得奖，那不是最重要的，青年艺术家有机会让这些国际策展人、评委了解他们很重要。最后我们还安排了一个环节，就是在下午开幕和颁奖之前，安排所有的艺术家和策展人、评委见面，在茶话会上聊天，非常有意思，他们聊的很热烈，评委也提了很多问题，跟艺术家得交流的很好。之后，就有事情出来了，有的评委、策展人就要安排艺术家参加他们的展览；有的评委就安排他们去做驻地艺术家，这些都非常有意思。青年艺术家可能没有得奖，但对他们来说，他的生活，他的艺术有了一个新的出口，一个新窗户、一扇打开的门，我想这对他们的帮助是很大的。

张培力：”华宇青年奖“是有点狂欢式的团聚

Q：真的很有意思！现在言归正传，想知道你对于“三亚艺术季暨华宇青年奖”有什么样的期待呢？

A：三亚“华宇青年奖”，我觉得如果以后继续做的话，终审评委这里边有些细节是可以做些调整的，可以做得更严谨。我相信他们现在已经做的比之前要好很多，已经改进了很多，也做得非常好。上一次总策划赵屹松去上海，我们聊过，我就发现有很多跟OCAT奖相近的地方，但是“华宇青年奖”有它自己的一个特点，它是有点狂欢式的，这样挺好的。比如说让艺术家的奖励机制，获奖后能够有机会去看威尼斯双年展展，五个“评委选择奖”的获得者可以去威尼斯，这个很好。然后呢，两个评委会大奖的获奖者，得到的是可以帮艺术家完成项目的支持，做展览，这个真是很棒的，非常好的！目前OCAT奖可能没有能力来做这样的事情。另外，“华宇青年奖”能够邀请那么多人，50个艺术家到现场，这也很好，大家有一个团聚、交流，主办方还邀请了那么多评委，那么多艺术界的专业媒体过来，这都非常好。我想这一切不亚于评奖本身，也就是说，实际上是一个借着评奖把这类事情发挥到一个很极致的程度，这很好。

Q：作为本届”华宇青年奖“的终审评委，想知道你觉得在三亚举办这类活动的意义何在？

A：我觉得“华宇青年奖”现已经做到第三届了，特别适合三亚这个地方，到了年底，三亚是一个渡假的热地，除了度假休闲之外，还需要增加很多的文化上的享受。这个项目是慢慢的做出一个形态来的，首先是形态。再有一个就是这个奖项本身经过这几年的推进，慢慢需要做得更有风格和方向，我目前的感觉是已经越来越清晰了，尤其是今年的展览，看过去年的展览我也来看过。今年从整体艺术家的选择上来说，前期工作做的很好，前期艺术家的推荐，起到一种抽样性的作用，并不是一个全面性的。在当代艺术这个范畴之内，这些年轻的艺术家的层次不一样，有的是在院校的，有的已经是蛮成熟的艺术家。这些艺术家的作品相对来讲能表现出目前当代艺术的发展趋势，年轻人所关注的态度，所以我觉得还是非常值得去关注“华宇青年奖”，去看一看这个入围作品展的。

（凤凰艺术 Gege、张腾文、卢王飞 三亚报道 责任编辑伯牙）

视频地址：http://art.ifeng.com/v/20150105/21c1f796-297e-43ef-a214-2be2c2df95dc.shtml

【凤凰艺术独家报道】2014年“第三届三亚艺术季暨第二届华宇青年奖”的颁奖典礼已经结束，展览还将持续至2015年3月20日。然而在评审过程中，专业的评委阵容，50位入围艺术家100件艺术作品所展现出的多元视角，依然还在“凤凰艺术”星人的脑海中反复循环。想必您对评奖过程中的一些环节也想要深入了解吧？比如你想知道评委是基于什么标准来进行评审？又如，为何这个奖项选择在三亚举行？“凤凰艺术”在此独家采访到了2014“华宇青年奖”的终审评委吕胜中。吕胜中是中央美术学院实验艺术学院的首任院长，他在访谈中重点提及了青年艺术人才的培养，他告诫广大青年艺术学子，在艺术道路上保持健康心态：首先要做一个有质量的人，然后再做艺术家。

▲中央美术学院实验艺术学院院长、艺术家 吕胜中

（为方便您的阅读，以下“凤凰艺术”简称为“Q”，吕胜中简称为“A”。）

吕胜中：感受到多元的艺术背景，出人意外

Q：吕胜中老师，你好！首先，作为本届“华宇青年奖”的终审评委，从你的角度看，本次展览的完整度和参选艺术家的风格如何？

A：首先，一开始获邀参加“华宇青年奖”并担任终审评委工作时，以为是现在很多司空见惯的企业赞助艺术的商业行为，与广告有很大关系。而这几年在中国艺术界已有很多类似的关注青年艺术群体的活动，所以我对这类活动感觉很平常，司空见惯，觉得没有什么值得好奇的，甚至还有一些置疑。

第一天下午看完作品后，我感觉特别好，应该说感受到了多元的艺术背景以及一些出人意外的东西。它不是一些司空见惯的概念和语言，比如有的艺术家关注社会群体和特殊人群，这完全是在做事而不是做艺术作品。

其次，艺术现场的生力军们，大都经过近十年的学院派艺术教育。他们来自不同的院校，经历了不同的艺术教育环境，在他们身上这些特征都体现出来，其中也包括变化的特征。另外，90后的艺术家已经逐渐冲到前面去了，并且他们很有后劲。这些特点让我觉得展览非常完美。

吕胜中：有三点让我觉得展览有价值。

Q:那你认为这次“华宇青年奖”入围作品展的价值是什么？

A:有三点让我觉得展览有价值：第一，这是一个不错的艺术活动，如果坚持做下去，或者说越来越注重并增加它的学术质量，将对中国的艺术产生一定的推动作用；第二，昨天又看了一天的展览，虽然大家很疲倦，但都兴致高昂。评选工作也进行的很顺利，评委都达成了共识，意见基本上一致；第三，原来以为大家会对“华宇青年奖”的获奖结果表示出各种不理解，但最后结果出来之后，都觉得这次感觉不错，从个人角度说也挺有收获。

吕胜中：90后比80后任性少了点儿，冲劲儿大

Q：你刚才谈到90后的艺术家，其实这个展览里边还有很多80后艺术家，80后和90后这两支主要新生艺术力量组成了这个35岁以下年轻艺术家群体构成的展览。在你看来，90后艺术家在艺术风格或艺术语言，包括观念思考方面和80后艺术家有什么不一样的地方？

A：我们原来在学校里做课题的时候，做过关于80后的课题。80后小孩往往就谈他们自己，大家普遍认为他们是受宠、任性的一代。但是从90后身上，你倒反而发现任性可能少了一点。我觉得他们自我制约的这种东西甚至比80后更多一些，因为可能这代人的父母比较理智了，他们面临的经验也比较多，对孩子的教育会有所不同。所以90后在人格塑造上，我觉得可能与80后有所不同。当然也不可以这么截然的去区分，它总是有模糊地带的。但总体来看，其实90后的小孩的冲劲还是挺大的，他们干事那种非常执着的东西，那种很倔强的东西，倒是显得还挺明显的。现在，我的研究生当中也有90后的学生。

Q：你的学生也已经有很多90后了？

A：对，他们都有这样一股劲儿，比方说我有个学生叫王继宇，他是90后。他和别人不一样，也同样有天真浪漫的性格，从小也都是在优渥的环境长大，但是在爆发力上，我倒觉得是和比他年龄大的不相上下。

吕胜中：当代艺术家有责任把艺术恰当的向社会和公众告知、宣讲

Q：在老一辈艺术家的创作中，艺术的当代性和实践性已经趋于成熟，并且做的比较明显；而这些青年艺术家好像对实践性不是很认同，或者说并不刻意的去追求这些？

A：我觉得不光是在美术界，在整个当代文化的范围里都有这样一个问题。就拿观看方式的问题来说，我怎么去看当代艺术作品？以前我小的时候常听到大人们说，中国人觉得油画不好看，那么粗糙，而且还有阴阳脸（指油画中的光影处理）。有一些人懂油画，就告诉他们说，看油画你要退出五步去，也就是说你要整体看。这句话很有意思，变成人们都理解油画不能近看要远看。其实观看方式不只有一种，退出五步这个说法，只不过是告诉普罗大众一种通俗的方法，本身并不是远看的问题。

如果今天人们还用传统的观看方式欣赏艺术的话，就造成了一种非常陌生、晦涩难懂的感受。我跟一些比我年纪还大的先生、知识分子聊天，我会通过一两个作品告诉他们，我是如何感受的，他们很快就能转换思维方式。所以。我觉得中国当代艺术的前进，有媒介的参与特别重要，如何向社会和公众去推荐当代艺术的解读方式和观看方式是一个很大的问题。当然当代艺术家也有责任思考如何把自己的艺术恰当的向社会和公众告知、宣讲，这是我好多年前就在强调的。如果在这方面无所作为，那当代艺术总是艺术圈之内的一个蛋糕，一块特殊的东西。基于此，我觉得必定没有长久的持续性做为发展的条件。

吕胜中：希望学生先做一个有质量的人，再做一个艺术家

Q：您一直从事艺术教育工作，这次展览中有不少来自中央美术学院在校的教师或学生？

A：并不多，这次来自中央美术学院的只有叶甫纳和耿雪。

Q：这些青年艺术家的创作从在校时到毕业，再来到社会上参与公众展览时，会有些什么样的变化？

A：一方面，我希望学生很快融入社会，甚至会在毕业时安排各种展览让他们在学校和社会之间有所衔接，希望他们很快投身到当代艺术现场当中；另一方面，又不希望他们太过于投入了。为什么？因为我觉得未来是未来，今天是今天。今天永远是要过去的，今天一定是有问题的，如果不是有问题，我们就不需要明天。如果他沾染上很多今天本不应该有的一些东西，可能对他们长期来说并不利，所以这是个矛盾。

整个中国的文化艺术都面临一个转型期，原有的艺术方式在发生变化，国际上亦是如此。当然一方面需要保持清醒，另一方面需要推动自己进步。实验艺术系毕业的学生其实和美院其他院系的学生差不多，大部分不愿意找工作，都想做独立艺术家。但是做上几年如果觉得有问题的话，他们可能会选择找一个工作。

从实验艺术专业毕业的学生，目前看来有些人的生活和创作已经很难维持了，但是还在坚持。甚至有时候我都在动员他们，我说不行咱就做点什么事情，但是他们还是在坚持。当然我们培养学生，因为在学校期间就并不是以艺术家为唯一目标。我们在培养一个有质量的人，所以毕业后不做艺术的学生也有，但是他会调节好自己的生活，用健康的心态面对生活。

比如有的学生做照相馆，与他学的知识有关；有的学生原来做很大体量的艺术，在校时对自己的人生非常不满，但是毕业后找了工作，他突然发现他很幸福，很满意，他的选择就是暂时不搞艺术，我要挣钱让我的父母好好的生活一下。我觉得他的生活态度比做艺术家要灿烂多了、要闪光多了。所以实验艺术专业毕业的学生，普遍应该具有健康的心态，不是在艺术上有很大的欲望，要为一个名分怎么样的拼搏。健康的心态就是：先做一个有质量的人，再做一个艺术家。

吕胜中：这个奖项，代表的是一种鼓励和倡导

Q：那你如何看待“华宇青年奖”的评审机制？

A：所有评奖机制，我觉得都是有一定问题的。但是作为美术界的人都应该欢迎的，因为我们的学生、青年们、小孩们，都有可能因为这个受到鼓励，我觉得都应该是受欢迎的。这样的奖项如果做的成功，也会产生推动力，对中国艺术事业有所裨益。当然中国艺术环境下这种自助的机制，跟欧美相比较还不够完善。我觉得需要有时间去做这件事，去开这个头。这个开端让我介入到“华宇青年奖”的评选当中，奖金、奖励机制的鼓励对年轻人来说很重要；年轻人做艺术非常辛苦，而且这么多年轻人都在做艺术。有这样的一个鼓励存在，我个人觉得是很重要的。正因如此，评选的时候我就非常谨慎，因为这个奖项，代表的是一种鼓励和倡导。

吕胜中：在评审过程中克制主观因素，从全局去考虑和评断

Q：你一直从事艺术教育事业，其实很适合担任此类青年奖的评委，是吧？

A：对，我觉得我很适合，其实当评委是很难的一个事情。因为你好像在去指点江山似的，所以它责任也挺大。而且说实话，当下这么多青年艺术家，这么多好作品，你真说出谁是第一、谁是第二，是挺不容易的一件事情。我只能尽量去客观评述，在评审过程中尽量克制自己的主观因素，尽量从全局去考虑和评断。

吕胜中：通过作品的表达诉求，诉求价值，呈现效果去评判

Q：就像你刚才说的好的作品太多了，年轻艺术家也太多了，所以做评委这也很困难，但是作为终审评委，你肯定心里面还是有一杆秤的，就是你去审视这些作品，审视这些青年艺术家的创作思路时，你有什么样的标准在里面？

A：我们实验艺术学院教学有一句话，叫学生不要老想着搞艺术，因为这和以前学艺术人说，你要多创作作品多画画，我们恰恰相反，我们做作业的时候就是说就是做作业，不要说做作品，你就是做一件事，这件事为了做到深入了，做精彩了，做出价值来就够了。我们是在谈这个事情，希望同学们不要带着艺术的概念去做作业。第二，做事是社会学的一个概念，从社会学切入艺术，不要从艺术当中去往艺术里面钻，在艺术里边找空子。所以这两个方式其实可以让学生在做事的同时，把原有的概念性的艺术模样给屏蔽掉。我做事可能与常规艺术不像，很大区别，甚至根本不是；但是不管是不是，我如果拿到美术馆了，那你需要按这个准则去判断到底什么是艺术。

我们是这样一种思路，如果跟你讨论方案的时候，你说了半天没说清楚，大家就会直接问这句话，你告诉我你要干什么。干什么完了以后，它归纳出来，你干这个事能达到什么效果。那么大家去问这个东西，其实就是对待一个作品，当然不是完全的，但是很重要的。就是说你要表达一个什么诉求，这个诉求的价值何在？就是你这种方式能不能达到你诉求最好的一个结果，这些东西是我们在学校教学的时候去判断一个作业到底是好还是不好的标准、方法。我觉得我在看展览时，会带着这个标准去评价一些作品，到底有没有价值。

吕胜中：青年艺术家创作中的瑕疵恰是最闪光的东西

Q：所以就是说，参展的艺术家在你眼中，其实是在通往成熟的路径上，并且还有很多问题需要解决。

A：我觉得青年人一定要谨记这一点，不要说自己的作品、风格已经特别成熟了，他们其实正在行进的过程中，甚至还有很多个下一次，我觉得这是需要鼓励的。甚至他们在艺术创作中存在一些模仿，但是一定不能给他们定位了，我也不希望通过这种评选给艺术家定位。我希望他带着这种冲劲，带着这种不完整感，带着这种有瑕疵的感觉继续往前走，因为他们的路很长很长的。青年艺术家创作中出现的瑕疵恰是他们的艺术当中最闪光的东西。

吕胜中：要做成一个权威性艺术奖，应更加完善流程

Q：吕老师，你是从学院过来的，听说你主要看了学院里的入围的艺术家的作品？

A：是的，我也给提了建议了，当然做到这儿现在已经不容易了，我觉得他们初选推荐可能不够全面。我举一个例子，实验艺术系就没有推荐人，可能雕塑系都有，我们系却没有；不光是实验艺术系，还有一些青年艺术家的作品很好，但是也没有被推荐进来。我觉得任何一个展览，你说它是一个多么完善、多么完整，没有任何瑕疵都不可能，我是觉得将来如果要做成一个权威性的艺术奖，应该把流程做的更加完善一些。比如我们看资料时发现，推荐人没有写推荐词，好多推荐人都不写那个东西，可能他们不愿意或者有别的原因。但我觉得如果将来要持续的做这个奖项，并且希望做到权威，还是有必要去把机制建设的更加完善。

从另外一个角度，我觉得展览应该从布局上，主次上，结构上都做的更好，更专业一些。有的展厅给人的感觉是拥挤的，有的就很夸张，我觉得可能缺乏一个统一的调度。

再者，初选最后人也太多，选了50多人，选那么多，可能再少一点会更精一些，这是我的一些看法。

（凤凰艺术 Gege、张腾文、卢王飞 三亚报道 责编Sam）

2015-02-13  来源： 南方都市报  作者：颜亮

2月11日，“机构生产———广州青年当代艺术生态考察”在广东美术馆拉开帷幕。展览由广东美术馆馆长罗一平担任总策划。从字面上看，这是一个极难操作的计划。过去几十年，“当代艺术”概念在广州提出后，一直处于野生的状态，再加上对象又集中在最具反叛性的青年身上，要想对其归纳总结并非易事。从展览现场来看，破解难题，广东美术馆采用的是考察“机构”的方式。

依据广东美术馆对于广州当代艺术“机构”的定义划分，本次展览共分为5个单元，分别是“学院超链接”(由胡斌策划)、“黄边时间”(由李耀团队策划)、“在小洲：你想/你能干点啥?———2015小洲艺术生态抽样调查报告”(由胡震策划)、“转换”(由李冠宇团队策划)，以及“游走于虚实之间”(由w x团队策划)。

正是因为这种“机构”的丰富性，相比平时广东美术馆其他大型展览，本次展览显得更加鲜活和有趣，确实是对广州青年当代艺术生态是一种切片式的呈现。但展览本身也反映出了很多广州本地当代艺术的问题，它同北京、成都的青年当代艺术相对，确实存在较大的差距，少有让人感到惊喜的作品。

广东美术馆馆长罗一平

成就新时期文化语境中的健康力量

南都：广东美术馆这么大的平台给这些年轻的艺术家做展览，你的考虑是什么?

罗一平：有几个考虑。首先是广东美术馆未来对当代艺术走向的考虑。2011年到2012年，我做了第四届广州三年展，在这过程中，我发现广东当代艺术家很少，尤其是能进入国际当代艺术视野的更少;另外，在这一批很少的人下面，第二梯队几乎没有，这些年轻艺术家究竟在哪里?是一直困扰着我们的问题。所以从2013年开始，我们就一直试图去关注那些刚出头的艺术家，希望能发现他们的潜力，作为我们的培养梯队，然后再推向全国。但最终能纳入我们策展人眼中的年轻人几乎没有，所以这个项目一直没能实施起来。

现在我们马上要做亚洲双年展，我们的定位就是要能从广州出发去看世界。这时广东本土艺术的呈现就显得尤为重要，但遗憾的是，我们美术馆一直同广州本地年青艺术家往来不多，美术馆像是架在高层上的建筑，没能扎在根基上。这时我就意识到问题可能不仅仅是我们能否推出艺术家，而是我们首先需要对这些青年艺术家有一个了解，所以我们这次做了这个考察青年当代艺术生态的展。

南都：这次选取的角度是从机构出发去考察，这是为什么呢?

罗一平：要想完成这个任务，单靠广东美术馆是不可能完成的，我们从一开始就确定了要依托机构、学院来做这件事。这样一方面既考虑了在美院的学生，也涉及到美院毕业的学生，还有那些受民营美术馆关注和扶持的艺术家和机构。在这个情况下，我也发现了没有独立的艺术家，所有的艺术家都依托于某一个机构，依托于某一个群体，依托于某一个导师，构成了一股力量再往前走。其实一直是机构在生产艺术，机构在推动艺术。

这次展览也检验了我们和民营美术馆的合作。这次同时代美术馆、53美术馆合作，我们彼此都找到自己的优势，从而形成了较好的合作机制，也通过这个展览拉近了和这些年轻人的距离。更重要的是，布展中，我们也在引导和教会这些年轻艺术家怎么把个人情绪和审美，个人的价值判断和这个时代，特别是在一个政府的公共平台上面做到合理合度，有味道的呈现，让他们懂得借助国家美术馆的平台发力，让自己走得更远。这是通过我们布展得到的一个额外的启发。

如果这个展览做得好，后一步我们会做一个更深入的生态调查，也会为我们的艺术家做若干个小型的群展或个展。然后跟媒体合作，共同策划一些展览，让这些当地艺术成为新时期文化语境中的健康力量。

转载南方都市报

视频地址：http://video.artron.net/20150211/n713816.html?from=singlemessage&isappinstalled=0

2015-02-11 19:21:25 来源：雅昌艺术网专稿 作者：常芳

(雅昌艺术网讯)2015年2月11日，“机构生产——广州青年当代艺术生态考察”在广东美术馆外广场隆重开幕，这次展览是广东美术馆自主策划的年度大展，由广东美术馆馆长罗一平担任总策展人，参展机构包括美术馆、学院、艺术中心、艺术村以及实验空间等。“机构生产——广州青年当代艺术生态考察” 动用了广东美术馆全部展厅，展览分为5个单元，分别是“学院超链接”(由胡斌策划)、“黄边时间”(由李耀团队策划)、“在小洲：你想/你能干点啥?——2015小洲艺术生态抽样调查报告”(由胡震策划)、“转换”(由李冠宇团队策划)，以及 “游走于虚实之间”(由wx团队策划)。

作为广东美术馆的开年大展，开幕现场广东美术馆的外广场聚集了大量的观众

四川美术学院教授、著名批评家王林、著名批评家王南溟、广州美术学院设计学院院长王邵强、教授李正天、广州美术学院油画系主任范勃、广州美术学院艺术与人文学院美术史系教授李公明、广州美术学院版画系教授宋光智、Oct 当代艺术中心西安馆馆长凯伦·史密斯、中央美术学院美术学研究所副研究员，中国雕塑学会理事刘礼宾、OCT北京馆学术总监董冰峰、99艺术网董事长兼CEO 杨凯、尤伦斯美术馆副馆长尤洋、广东时代美术馆馆长赵趄、53美术馆馆长李琼波、广州美术学院艺术与人文学院副教授吴杨波、广东美术馆馆长罗一平、广东美术馆副馆长陈建宁、广东美术馆副馆长邵珊、广东美术馆副馆长江郁之出席了展览开幕式。

为什么从机构出发？

近些年来美术馆、学院、艺术中心、艺术村以及另类空间等各类机构的兴起与变革成为当代艺术发展的重要依托，并构成了艺术系统中的不同环节，其层次的多元程度甚至在某种意义上决定了整个生态的面貌。广州的当代艺术机构亦是如此。多元空间并进，尤其是民间空间日渐扩大的趋势无疑给广东当代艺术的生长提供了丰厚的土壤。以往对于此区域的生态考察更多地从艺术家和群体入手探讨其图式与语言特征，而此次广东美术馆以机构为单位来呈现其体系、脉络及形态上的状貌，并以机构为视角来展开其对生态的某种思想介入和知识生产的系统研究。

本次展览的总策展人、广东美术馆馆长罗一平在开幕现场致辞

广东美术馆馆长罗一平作为本次展览的总策展人，在接受雅昌艺术网记者采访时指出，机构作为游离于美术馆与民间的中介，其艺术生产的力量有时直接决定了当代艺术的前瞻性。这里所谓生产即是随着依托于机构的艺术创作、展览实践而获得的知识的产生。此次展览以机构为视角来展开对艺术生态的某种思想介入和知识生产的系统研究。

广东美术馆策划此次展览，正是从机构出发，展现广州青年当代艺术，抽样选择了学院、小洲村、黄边站、广东当代艺术中心等为出发点进行艺术生态考察。其目的是让新生的、民间的艺术力量与国家美术馆发生关系，在互补、互动的同时，借由政府美术馆的平台让民间机构发出自己的声音。同时，从美术馆自身来说，对实验性、原初性的艺术创作进行抽样研究，进一步考察广州当代艺术生态的样貌，也是充分发挥美术馆研究职能和健全美术馆学术体系的有效途径。

“机构生产——广州青年当代艺术生态考察”开幕现场观众人气爆棚

五个单元，鲜活呈现广州青年艺术家面貌

“机构生产——广州青年当代艺术生态考察”从青年艺术生态考察入手，通过抽样、观察、分析、参与等方法，在某种程度上勾勒出广东当代艺术生态的样貌，也提供了管窥中国当代艺术的一个生态切面。

这种勾描和研究的重点之所以聚焦于青年艺术家，因为他们是生动的、未定型的、行进中的力量，并且，其中不少机构的工作之一就在于培育这些新兴的成长者。此次展览所定位的青年群体，并非一个年龄段的概念，而是一个标志，即新生的、实验性且活跃性的代表。

谈及举办此次展览的初衷，罗一平谈到，广东美术馆为有思想、有理想的青年艺术家提供平台和支持，不仅是对机构的艺术生产和青年艺术创作价值的肯定，也希望借此改善资源聚集化的现象，并引导健康有序的当代艺术生态，从而保证广东持续发展的文化生产力。其宗旨正是要与当代艺术进行沟通与博弈，在对话和共享中，真实、全面地探讨广州本土乃至中国当代艺术的面貌与本质。

正是如此，本次展览选择了从广州出发，以机构为纽带，展示与研讨、文献编撰结合，形成对广州甚至广东地区青年当代艺术生态的一次深度观照，并为以后其他区域的艺术生态考察提供参考。

一、“学院超链接”：广州当代艺术生态与学院的关系

策展人：胡斌

“学院超链接”单元策展人胡斌在开幕现场致辞

“当代”作为一种思潮并不与学院割席而立，随着当代艺术全球化趋势的蔓延和发展，当代艺术作为创作理念和价值理念已在方方面面融入到学院之中。由广州美术学院副教授胡斌担任策展人的“学院超链接”单元中，选择以广州美术学院、华南师范大学美术学院、以及其他高校美术学院的艺术家为着眼点来勾勒学院以及因学院而起的艺术群落。

　“学院超链接”单元一方面梳理了学院内部发生的艺术实验的延展关系。20世纪80、90年代美术学院与中国现当代艺术的关系被重新讨论，在当代艺术的场域中，学院的因素如何被评估应该放在一个历史时段中进行审视。而我们所集中针对的是学院传统以及当下的变革对于青年艺术家生态的影响。另一方面则是与学院相伴随的各类艺术群落的兴起，它们与学院互补和互动，其思想和艺术生产资源相当一部分来源于学院，同时在创作和交流形态上又区别于主流的学院教育体系。作为这两者的“链接”在艺术创作上的显现，呈现了图式绘画、叙事结构、感知体验以及跨界探索等方面训练的延展，展览现场所呈现的正是这些思维与行动的视觉结果,广东美术馆希望能清晰地展现具有学院气质的青年一代的艺术理想与精神诉求。

二、“黄边时间”：一个基于特殊时间性的实验室的真实形态

由李耀团队策展

“黄边时间”板块的策展团队负责人李耀

展览的第二单元“黄边时间”，以广东时代美术馆属下的黄边站当代艺术研究中心为对象，对其在过去两年的工作机制、实践轨迹、搭建的专业与社群网络、做出的成果和仍在持续更新的艺术生态培植试验进行梳理、回顾与呈现。通过时间的线索，以静态的艺术作品、工作文献、录音、录像为基础，结合动态的现场表演，还原艺术生产的工作坊现场，呈现黄边站的工作肌理与机构特质：一个基于特殊时间性的实验室的真实形态。黄边站作为民间艺术机构与广东美术馆的主题核心不同，所承担的公众教育与研究职能也相对较少，所以它可以更为自由随性地与艺术直接互通，换言之，它的存在可以让当代艺术在民间活跃起来并显示了当代艺术的多元化发展。

三、“在小洲：你想/你能干点啥？——2015小洲艺术生态抽样调查报告”

策展人：胡震

“在小洲：你想/你能干点啥?——2015小洲艺术生态抽样调查报告”单元策展人胡震

在第三单元“在小洲：你想/你能干点啥?——2015小洲艺术生态抽样调查报告”中，采取艺术作品配以艺术家采访的方式，通过对长期居留在广州小洲村的青年艺术家和相关机构负责人的采访，以及艺术家创作个案的展示，呈现小洲村独特的艺术样貌，探讨青年艺术家们如何在“机构生产”时代，在淳朴与商业的碰撞下的价值取向和自我表达。

四、“转换”：艺术家与工作室的关系

李冠宇团队策划

“转换”单元的策展团队负责人李冠宇

“转换”作为第四单元主题，重点着力于进驻在广州的艺术家。工作室作为艺术家的创作场域，它不仅仅是一个地理位置，它的存在与集结都在一步步地参与到当代艺术的发生模式之中。近些年，越来越多的艺术家们开始建立自己的工作室，并逐渐形成所谓的艺术区或者画家村，艺术家创作也逐渐从个体艺术行为转向集体艺术行为。广东当代艺术中心的成立不仅给艺术家提供了创作场地，也让在此的艺术家集结起来，共同经历和验证艺术发展的风起云涌，期间便有了沟通与互设。这为艺术家提供了更广阔的平台，但另一方面随着商业与市场的进驻，艺术工作室也渐渐失去了独立的性质。因此，在资本、市场合谋下的艺术家工作基地，同时面临着危机与希望，对这一部分青年艺术家生态的展现组成了艺术生态面貌的重要部分。

五、“游走在虚实之间”：地域环境与艺术家的关系

wx团队策划

“游走在虚实之间”策展团队的负责人邵君瑜

依据此次展览的主题，最后一单元“游走在虚实之间”以机构为单位，研究地域环境与当代艺术家之间的关系。地域生态环境与人文状态是一个虚实转换的问题，两者之间相互影响,相互融合。广州这个大环境下各个地域特性显著，每个被划分的小区域都具有各自的生态环境与其驻地当代艺术青年的人文状态。这一部分，与其说是从属于展览的第五单元，不如说它是整个展览的贯穿路线，整合着各个单元以及展览空间。“艺术生态地图” 这一贯穿整个三层楼的地图，标识出了不同艺术机构群体的地理位置，让此次展览各个独立的单元在时间与空间上有了合理的、序列性的依托。此外，还以“记录光”为投射、“光合作用生态研究”为感知，终其主旨，广东美术馆希望让展览各单元集结成有关联的因子，成就鲜活而直观的青年艺术生态全貌。

据悉展览将持续至3月8日。(通讯员/刘丹妮、实习生卓怡帆对本文亦有贡献)

本文转载自雅昌艺术网

展期：2015.2.11—3.8

展厅：广东美术馆1—12号厅

近些年来各类机构的兴起与变革成为当代艺术场域最活跃和重要的现象。这些机构包括美术馆、学院、艺术中心、艺术村以及另类空间等，它们构成了艺术系统中的不同环节，其层次的多元程度甚至在某种意义上决定了整个生态的面貌。当然，各类机构在进行所谓积极的知识生产的同时，在它们自身或之间也需要某种批判力，从而接受质询和获得新的变化。

广州的当代艺术机构亦是如此。多元空间并进，尤其是民间空间日渐扩大的趋势无疑给广东当代艺术的生长提供了丰厚的土壤。以往对于此区域的生态考察更多地从艺术家和群体入手探讨其图式与语言特征，而此次我们希望以机构为单位来呈现其体系、脉络及形态上的状貌，更重要的是以机构为视角来展开其对生态的某种思想介入和知识生产的系统研究。

参与展览的机构并不能完全覆盖广州，但是它们无疑是这个艺术生态当中重要的发散点。学院部分重在展现当代艺术传承在目前的结果以及与周边群落的共生关系。小洲村部分通过对该区域的艺术机构和艺术家案例采样，探讨一种反机制形态的空间和自我表达。作为官方艺术体系外的当代艺术“研究—教育”平台，广东时代美术馆“黄边站”呈现的是它们既往的工作理路以及自然衍生的新的现场实践。刚成立不久的当代艺术中心主要着力于对其艺术家工作室的青年艺术家群体的审视，以及中心作为对外交流平台所产生的区域内外的思想碰撞和思维转换。wx团队则是从生态研究与地域环境探测的角度以特殊的方式介入各机构和区域，以形成某种具有启示性和隐喻性的观看表述。

我们这种生态勾描和研究的重点之所以聚焦于青年艺术家，是因为他们是最鲜活的、未定型的、行进中的力量，并且，其中不少机构的工作之一就在于培育这些新兴的崛起者。正是如此，本次展览力图从广州出发，以机构为纽带，展示与研讨、文献编撰结合，形成对该地区青年当代艺术生态的一次深度观照，并为以后的其他区域的艺术生态考察提供参考价值。

展览分为5个单元，分别是“学院超链接”“黄边时间”“在小洲：你想/你能干点啥？——2015小洲艺术生态抽样调查报告”“转换”“游走在虚实之间”。

第一单元：学院超链接（单元策展人 胡斌）

在相当长的一段时间，学院与当代艺术的关系被简单化地理解，但若历史地看，学院内部和外部如何纠合孕育出当代艺术的实验却是耐人寻味的话题。本单元所希望展开的问题有两个方面，一个是梳理学院内部发生的艺术实验的延展关系。在今天，20世纪80、90年代美术学院与中国现当代艺术的关系被重新讨论，在当代艺术的场域中，学院的因素如何被评估值得放在一个历史的长时段中进行审视。而我们所集中针对的是学院传统以及当下的变革对于青年艺术家生态的影响。另一个方面则是与学院相伴随的各类艺术群落的兴起，它们与学院产生互补和互动的关系，其思想和艺术生产资源相当一部分来源于学院，同时在创作和交流形态上又区别于主流的学院教育体系，这两者的链接关系也是探讨学院问题时所必然要考虑的重要现象。

而作为这些“链接”在艺术创作上的显现，我们便看到了图式绘画、叙事结构、感知体验、身体实践以及跨界探索等方面训练的延展以及相对应的体系反叛，因此，展览现场所呈现的正是这些思维与行动议项的视觉结果，而背后的经脉还有赖于更多的文本来梳理贯连。

【参展艺术家】

陈子君、秦晋、周钦珊、沈瑞筠、喻旭东、韩建宇、黄一山、莫希亮、伍思波、袁泽强、郑梓程、苏宇俊、刘佳婧、杨义飞、杨小满、何利校、吴超、李景湖、01小组、陈文华、肖映河、李汉周、黄春风、黄海清、李景芳

第二单元：黄边时间（单元策展人 李耀）

本单元试图以广东时代美术馆下属的黄边站当代艺术研究中心为对象，对其在过去两年的工作机制、实践轨迹、搭建的专业与社群网络、做出的成果和仍在持续更新的艺术生态培植试验进行梳理、回顾与呈现。通过时间的线索，把黄边站的过去、现在与未来同台推衍，以静态的艺术作品、工作文献、录音、录像为基础，结合动态的现场表演、论坛、讲座、分享会、对话和新项目的生产，整体呈现黄边站的工作肌理与机构特质：一个基于特殊时间性的实践共同体与价值实验室的真实形态和潜在内涵。

【参展艺术家】

广东时代美术馆黄边站当代艺术研究中心全体成员，以及杜忠健、黄成、黄河、何俊彦、黄山、胡向前+邵振兴、赖志杰、卢珊、魏然、熊秋悦、银坎保、周玉谐等艺术家

第三单元：在小洲：你想/你能干点啥？——2015小洲艺术生态抽样调查报告（单元策展人 胡震）

乔治·迪基认为，艺术是由艺术家、批评家、美术馆馆长、画廊经纪人和收藏家等构成的一个系统机制。在这个系统中，任何环节的缺失都将对艺术的生产、销售、流通和传播产生重要的影响。西方当代艺术的变化发展在一定程度上印证了迪基所言不虚。当然，这并不意味着我们就此可以忽略那些游离于系统之外的野生力量。恰恰相反，正是所谓系统内部的自我更新和来自系统外的挑战和对抗，才赋予我们今天所说的“机构生产”以更多元的实验方式和更贴近艺术本质的自由表达。“2015小洲艺术生态抽样调查报告”将以成熟的西方艺术机制为参照，通过对广州小洲村的青年艺术家及相关机构负责人个案的交叉呈现，真实地记录小洲斑驳陆离的艺术原生态，探讨青年艺术家们如何在“机构生产”的时代语境中以一种反机制的姿态进行的艺术空间制造和自我表达。

【参展艺术家】

蔡远河、林伟祥、方亦秀、茹创业、何子健、柯坎法、柯荣华、袁淑玲、康甲、郑龙一海、杨帆、郑琦、王犇

第四单元：转换（单元策展人  李冠宇）

本单元试图以广东当代艺术中心作为此次当代青年艺术生态考察展的一条机构线索，从艺术中心这一开放的载体出发，探索在此之上艺术家于空间和时间之中发生的各种“转换”，研究其对青年艺术家的生态环境产生的主观客观影响及他们之间形成的相互作用力。一方面力求通过梳理呈现出一个相对完整的机构下的广州青年艺术家生态状况；另一方面也将从机构自身的独特性出发，思考青年艺术家在聚集的工作室区域内所产生的思维、创作的交流碰撞与改变；也尝试通过中心的国际艺术家交流平台，关注在外的广州青年艺术家于不同新域下的形成的转变与新的可能性。

【参展艺术家】

段俊豪、黄道明、邓子军、方迪、胡诚、洛鹏、罗奇、李振中、孙佳兴、吴达立、夏天、杨国强、游飘、曾曦、周霄鹏、张志峰等

第五单元：游走在虚实之间（单元策展人 wx团队）

wx团队依据此次展览的主题——广州青年当代艺术生态考察为思考点，以机构为出发单位，研究地域环境与当代艺术家之间的关系。地域生态环境与地域人文状态是一个虚实转换的问题，两者之间相互影响相互融合。在广州这个大环境下各个地域特性显著，每个被划分的小区域都具有各自的生态环境与其驻地当代艺术青年的人文状态。以“艺术生态地图”为载体、“记录光”为投射、“光合作用生态研究”为感知组织起了此次wx团队项目的总体方案概念——游走在虚实之间。

【参展艺术家】

wx 团队、黄京、赖志杰、赵宝琛

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